ARTE OPTICO

Tendencia artística que se consagró en la década de 1960, el op art supuso el triunfo de la ilusión pictórica, conseguida mediante el recurso a formas geométricas y colores planos. 
op art, o arte óptico, fue una manifestación artística muy cercana al arte cinético, que buscaba afectar visualmente al espectador mediante la combinación de colores fríos y cálidos y la superposición de entramados geométricos. Se recurrió para ello a una serie de procedimientos científicos y artísticos (contrastes, ondulaciones, interferencias) que estimulaban la retina y provocaban una intensa inestabilidad visual. 
El término "op art" fue empleado por vez primera en 1964 por un periodista de la revista Time, al referirse a la exposición The Responsive Eye, que se iba a organizar un año después en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. En dicha exposición, que causó un gran impacto en todo el mundo artístico, se dieron cita tanto obras pictóricas con ilusiones geométricas, compuestas mediante formas estructuradas y superficies coloreadas, como otras basadas en el movimiento, que utilizaban únicamente líneas y tramas en blanco y negro. 
Los precedentes inmediatos de esta corriente hay que situarlos en movimientos pictóricos vanguardistas, como el cubismo o la abstracción, que empleaban similares efectos compositivos y visuales. 
Uno de los más brillantes representantes del op art fue el húngaro Victor Vasarely, creador, desde 1952, de diferentes estructuras cinéticas en blanco y negro, que luego realizó en color. Este artista partía de elementos geométricos de distintos tamaños, sobre todo el cubo, que combinaba para conseguir formas tridimensionales con colores planos. 
Estos experimentos fueron seguidos, en la década de 1960, por la británica Bridget Riley, que se basó en el empleo de líneas paralelas y curvas, en blanco y negro, que provocaban un oleaje visual. Ejemplo notable de ello fue su obra "Corriente". 
En los Estados Unidos, el precursor del op art fue Josef Albers, interesado en los efectos del color en las superficies planas. 
En París, sobresalió el Grupo de Investigación del Arte Visual, con el que colaboraron el argentino Gyula Kosice y el venezolano Jesús Rafael Soto. Este último buscaba vibraciones ópticas mediante fondos en blanco y negro, pero evolucionó más tarde hacia formas tridimensionales, al construir espirales en plexiglás. Destacaron también el israelí Yaacov Agam, el venezolano Carlos Cruz Díez y el español Eusebio Sempere, autor de la serie "Las cuatro estaciones". 
Aunque fue un movimiento breve y efímero, el op art tuvo gran influencia en la moda, la decoración de interiores, el diseño de cubiertas de libros y discos, e incluso en esquemas urbanísticos y arquitectónicos, como ilustra el caso de la fachada de la Universidad de Caracas, de Vasarely. 

ahora voy a compartir unas imagenes del arte optico. 

ARTE URBANO

El término arte urbano o arte callejero, traducción de la expresión street art, hace referencia a todo el arte de la calle, frecuentemente ilegal. El arte urbano engloba tanto al graffiti como a diversas otras formas de expresión artística callejera. Desde mediados del los años 90 el término street art o, de forma más específica, Post-Graffiti se utiliza para describir el trabajo de un conjunto heterogéneo de artistas que han desarrollado un modo de expresión artística en las calles mediante el uso de diversas técnicas (plantillas, posters, pegatinas, murales....), que se alejan del famoso grafiti pero no siempre tiene que ser en paredes pues ahora en la actualidad es posible, incluso, dibujar en forma experta 3D.

Uno es el uso de plantillas (stencil), a menudo con un mensaje político, cobra especial relevancia en París en la segunda mitad de los años 60. Sin embargo, no es hasta mediados de los años 90, con la aparición de artistas como el norteamericano Shepard Fairey y su campaña "Obey" (Obey Giant) (Obedece al gigante), ideada a partir de la imagen del luchador norteamericano Andre The Giant y llevada a cabo mediante el uso de posters y plantillas, cuando las diversas propuestas de este tipo cobran auge en distintas partes del mundo y son percibidas en su conjunto como parte de un mismo fenómeno o escena.

El arte callejero, al integrar sus elementos en lugares públicos bastante transitados, pretende sorprender a los espectadores. Suele tener un llamativo mensaje subversivo que critica a la sociedad con ironía e invita a la lucha social, la crítica política o, simplemente, a la reflexión. Sin embargo, existe cierto debate sobre los objetivos reales de los artistas que actualmente intervienen el espacio público, algunos dañando el espacio privado.

Cabe mencionar que también a las personas que tienen un talento "nato" se les asigna un lugar apropiado y que sea legal antes que nada, en esos espacios esas personas pueden plasmar diversas cosas obviamente promoviendo temas de sumo interés como contaminación, el agua, la naturaleza, la historia etc. eso si sin ofender de cierta forma a la demás gente que aprecia lo que se puede visualizar. 

TÉCNICAS Y ESTILOS

El estarcido (stencil) y la pintura en spray, es la forma en donde se puede encontrar mayor diversidad de estilos y búsquedas estéticas por los artistas del movimiento. Aunque también en pegatinas y pósteres, es donde podemos ver la evolución de este arte de la calle.Los normógrafos (reglas perforadas que permiten reproducir las letras del alfabeto normalizadas) se basan en la técnica del estarcido que en este caso se enfocan al graffiti, una de las formas más usuales de hacerlo es recortando la imagen deseada sobre una hoja de papel duro; el dibujo aparece como un espacio abierto con zonas sólidas alrededor. La plantilla así obtenida se sitúa sobre una nueva hoja de papel y se aplica la pintura sobre toda la superficie. Las zonas de pintura que llegan a la hoja inferior quedan limitadas a la forma de los huecos de la plantilla, creando así la imagen deseada.

Muchas estrategias con diversas ideologías pero la misma teoría "El Arte", muchos pintan, otros dibujan, algunos solo rayan por rayar por poner algo que no tiene sentido a veces pero simplemente es arte plasmado en diversas estructuras, ya sea en un papel, en lienzo,en el suelo, en cristales, en frutas, e.t.c, incluso con papel de baño, porque al final de cuentas se trata de creatividad de ser únicos y de poder expresarse, tener el poder de demostrarnos lo que hacen.

ARTE ANIME O MANGA

Anime (アニメ) es el termino que se utiliza para identificar a los dibujos animados y el Manga (漫画)  es la palabra para designar al cómic o historieta; ambas son de procedencia japonesa y las cuales se utilizan para referirse exclusivamente a dibujos e historietas niponas.

La relación entre el anime y el manga es sumamente estrecha, ya que a lo largo de la historia un sinfín de trabajos del anime están basados en las historias de manga popular.

El anime y el manga se han convertido en bases de la cultura nipona y una forma de arte tecnológico.  Existen géneros de anime para niños, adolescentes, adultos y las categorías que son especializadas para el manga. Los géneros y temas son muy diversos, van desde el amor, la aventura, la ciencia ficción, los deportes etc.

El anime por tradición es dibujado a mano, pero ahora en la era de la tecnología se realizan en diversos programas de diseño. En la actualidad, constituyen una parte esencial del mercado editorial de Japón y han sido adaptados en varios formatos como: series de animación, películas y hasta vídeo juegos.

El manga es el resultado de la combinación de dos tradiciones, el arte gráfico japonés y la historieta occidental; fue en el año de 1947 cuando Tezuka Osamu copio el estilo de los grandes ojos del personaje de Disney; Mickey Mouse y crea la historia de Robots Putcha; con la cual se catapultó hacia el éxito. Solo unos años después logra su mayor creación con Astro Boy.

CARACTERÍSTICAS DEL ANIME:

• El diseño de los personajes puede llegar a variar dependiendo de la época o los dibujantes.
• Tienen mayor influencia por un tipo de estilo de brocha más que la caligrafía de lápiz.
• Una de sus características principales es que los ojos de los personajes son muy grandes y definidos; presentan colores sumamente llamativos como el rojo, el rosa, el morado, el verde, el azul y el café.
• Busca darle profundidad a los ojos con la forma del coloreado, aplicando una textura de luz de sombra, se emplea el tono de color y una sombra oscura.
• La principal característica del cabello es la gran variedad de colores que tiene los personajes en su cabellera.
• El cuerpo de los personajes del anime se caracteriza por ser sumamente escultural, incluso en algunos personajes los rasgos pueden ser muy exagerados;  pero con un toque cómico.
• Los rasgos principales del rostro de estos personajes suelen parecer un pentágono en la parte inferior y tener una boca y nariz muy pequeños.
• Al igual que el cuerpo de los personajes del anime, las expresiones faciales son sumamente exageradas.
• Las ilustraciones que representan animales, monstruos o robots por lo regular tienen características híbridas, gigantes e incluso diminutas.

CARACTERÍSTICAS DEL MANGA:

• De la misma forma que la escritura japonesa; en el manga, las páginas y viñetas se leen de derecha a izquierda.
• El más popular y reconocido estilo de manga tiene también otras características distintivas, muchas de ellas por influencia de Osama Tezuka, quien es considerado el padre del manga moderno.
• Se presenta la combinación gráfica de unos personajes caricaturescos con un entorno realista, lo que se ha denominado como el efecto máscara.
• Las ilustraciones de los personajes en el manga son de forma más realista.
• Existe mayor variedad de las transiciones entre las viñetas en comparación con los comics occidentales, ya que en el manga el tiempo parece no avanzar.Como ya habíamos comentado una de sus principales características son el gran tamaño de los ojos de los personajes, lo cual es propio de individuos occidentales más que de los japoneses.